Banner Tuvivienda
Miércoles 12 de agosto 2020   |   Contáctenos
REDES SOCIALES
Miércoles 20 de junio 2012

Polígrafa, Barcelona

Por: Galería Lucia de la Puente
Polígrafa, Barcelona
Foto: Galería Lucia de la PUente
  • Polígrafa, Barcelona
  • Polígrafa, Barcelona
  • Polígrafa, Barcelona
  • Polígrafa, Barcelona
  • Polígrafa, Barcelona
  • Polígrafa, Barcelona

Cuarta pared, Guillermo Kuitca

POLÍGRAFA, Barcelona

Colección de obra gráfica contemporánea

El martes 26 de junio de 2012, la Galería Lucía de la Puente presentará una muestra de Polígrafa Obra Gráfica, con obra seleccionada de los artistas Carlos Amorales de México, Carlos Cruz-Diez de Venezuela, León Ferrari, Guillermo Kuitca, Jorge Macchi y Liliana Porter de Argentina, Nelson Leiner y Regina Silveira de Brasil, Nicolás Paris de Colombia y Chunbo Zhang de China.

Polígrafa Obra Gráfica fue fundada en Barcelona-España por Manuel de Muga en 1961, posteriormente Joan de Muga, hijo del fundador, inaugura un taller de aguafuerte, litografía, grabado en madera y otras técnicas de impresión tradicionales. Desde entonces Polígrafa ha trabajado con más de 300 artistas

Desde sus primeros años Polígrafa editó artistas que actualmente son reconocidos en todo el mundo, como: Joan Miró, Hans Hartung, Henry Moore, Francis Bacon, Eduardo Chillida, Robert Motherwell, Max Ernst, Helen Frankenthaler, Roberto Matta, Christo, Pierre Alechinsky, Wifredo Lam, Antoni Tàpies, Karel Appel, Helena Vieira da Silva, Zao Wou Ki, John Cage, George Segal, Larry Rivers, Kenneth Noland, Ed Ruscha, Alex Katz, Rufino Tamayo, Francisco Toledo.

Actualmente los socios Joan de Muga, José Aloy y Álvaro Puigdengolas continúan el negocio invitando a renombrados artistas contemporáneos para desarrollar nuevos proyectos especiales y nuevos conceptos en la gráfica, con ediciones cortas.

Polígrafa también está presente en las principales ferias de arte del mundo, incluyendo Art Basel, en la que ha estado presente desde la 2ª edición, Art Basel Miami Beach desde su inauguración en 2002, y Arco en Madrid, desde sus inicios.

Actualmente los fuertes lazos con Latinoamérica incluyen la selección de artistas peruanos contemporáneos de trayectoria internacional, como es el caso de Fernando Bryce y Sandra Gamarra. Sin olvidar que también se realizaron ediciones con Fernando de Szyszlo en los 70's y 90's.

Carlos Amorales (México D.F., 1970) asiste entre 1992 y 1995 a la Gerrit Rietveld Academie, Ámsterdam, y en 1996 continúa sus estudios en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten, de la misma ciudad.

Hacia fines de la década del noventa, comienza a trabajar en proyectos performáticos. En Los Amorales, dos personajes de lucha libre con máscaras del retrato del artista combaten en un ring. Esta performance fue presentada en la Tate Modern, Londres (2003) y en el Centro Georges Pompidou, París (2000), entre otros museos.

Amorales intervino en numerosas muestras individuales y colectivas como Why Fear the Future?, Casa de América, Madrid (2005); Amorales vs. Amorales, Challenge 2003, Tate Modern, Londres (2003). Asimismo, en 2003 participó en la Bienal de Venecia, representando a Holanda. Su obra forma parte de las colecciones Jumex (México), Tate Modern (Londres), The Museum of Modern Art (Nueva York), Daros Latinoamérica (Zurich), Walker Art Center (Mineapolis) y Museum Boijmaans van Beunigen (Rótterdam), entre otras. Actualmente, Carlos Amorales vive en México D.F.

Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) es uno de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial. Junto con Jesús Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, conforma el movimiento cinético de Venezuela, que se desarrolló sobremanera a lo largo del siglo XX, hasta convertirse en uno de los más destacados de Hispanoamérica.

 Estudió en la escuela de Bellas Artes de Caracas, donde también fue profesor de Historia de Artes Aplicadas, y luego subdirector y profesor de pintura. Enseñó técnicas cinéticas en la Escuela Superior de Bellas Artes, en París. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Díez, en Caracas.

Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Bellas Artes, Caracas (MBA), Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo Jacobo Borges, Caracas, Museo de Arte Contemporánea de Bogotá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Museo de Arte Moderno de México, Quadrat Josef Albers Museum, Bottrop, Alemania, Museum am Ostwall, Dortmund, Alemania, Musée de la Chaux des Fonds, Suiza, y muchos otros.

León Ferrari (Buenos Aires, 1920), según The New York Times, es uno de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes del mundo. Los pilares de su obra han sido las guerras, todas las formas de intolerancia y la religión. Desde los años cincuenta, trabaja esculturas con diversos materiales: cerámica, yeso, cemento, madera y alambres. En su extensa producción artística, se destacan obras como “Cuadro escrito” (1964), central para el arte conceptual internacional, y “La civilización occidental y cristiana” (1965), montaje de un bombardero norteamericano con un Cristo de santería, pieza paradigmática en la tradición de la vanguardia estético-política del arte del siglo XX. Por razones políticas, abandonó Argentina en 1976 y se radicó en Sao Paulo, Brasil, donde retomó las esculturas metálicas y realizó experiencias con diversas técnicas: fotocopia, arte postal, heliografía, grabado, libro de artista, etcétera. En la 52º Exposición Internacional de Arte Bienal de Venecia, Italia, obtuvo el León de Oro.

Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961) es pintor y una figura relevante en la historia del arte latinoamericano. Conocido por sus mapas y plantas arquitectónicas. Kuitca exhibió su trabajo en los museos más importantes y forma parte de las colecciones más prestigiosas incluyendo el Met, MoMA, The Art Institute of Chicago, The Tate Gallery, Stedelijk Museum and Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas. Su trabajo ha sido incluido en un gran número de exhibiciones internacionales incluyendo en el 2007, la Bienal de Venecia.[4] En Mayo del 2009 el Dallas Center for the Performing Arts comisionó a Kuitca para diseñar el telón para el Winspear Opera House.

Nelson Leirner (Sao Paulo, 1932) es el hijo de Isai Leirner, quien fue Director del Museo de Arte Moderno de Sao Paulo y fundador de la Galería de arte de la Hoja y del Premio Leirner de Arte Contemporáneo y Felicia Leirner, escultora; hermano Giselda Leirner, diseñador; tío de Sheila Leirner, crítica de arte.

Es uno de los representantes más expresivos de espíritu de vanguardia de los años 60, tanto en Brasil como en todo el mundo. Su idea central es popularizar el objeto de arte e introducir la participación del público. Una de las características de Nelson son su irónica crítica al sistema del arte.

Leirner se negó a participar en la Bienal de Sao Paulo de 1969 y 1971, durante el periodo de la dictadura. Durante los años de 1970 crea en series de dibujos y grabados grandes,  alegorías de la situación política contemporánea. En 1974 expone la serie La Rebelión de los Animales, con trabajos que critican duramente el régimen militar, por la que recibe de la Asociación de los Críticos de Artes de Sao Paulo, APCA, el premio a la mejor propuesta del año. En 1975 la APCA le encarga un trabajo que se entregará a los premiados, pero la Asociación lo rechaza debido a que se hace en fotocopia, por ello, como protesta, los artistas no asisten al evento. Desde 1977 hasta 1997 imparte clases en la Fundación Armando Álvares Penteado, en Sao Paulo, donde tiene gran relevancia en la formación de diversas generaciones de artistas.

Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963) cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Expone desde 1984 y en 1987 integra junto a otros artistas de su generación el Grupo de la X. En 1989 hace su primera muestra individual en la Galería Alberto Elía de Buenos Aires y en 1990 recibe el Premio de la Fundación Nuevo Mundo. Realizó exposiciones en Museo Blanton, Austin, Texas (USA), en CGAC, Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela (España), en The University of Essex (Inglaterra), en la Pinacoteca del Estado de San Pablo (Brasil), en el Centro de Arte Contemporáneo Inhotim, Belo Horizonte (Brasil), en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina), y en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes MUHKA(Bélgica). Participó en diversas exposiciones en centros de arte contemporáneo de Argentina y el exterior. Participó de las bienales de Habana (2000), Porto Alegre (2003), Estambul(2003), San Pablo (2004),Venecia (2005) y Porto Alegre (2007). En 2000 recibió el premio Banco de la Nación Argentina y en 2001 recibió la beca Guggenheim. Expuso su trabajo en las galerías Ruth Benzacar de Buenos Aires, Luisa Strina de San Pablo, Distrito4 de Madrid, Gallería Continua de San Gimignano y Peter Kilchmann de Zurich. Entre 1994 y 2002 realizó residencias en el exterior invitado por fundaciones e instituciones de Francia, Holanda, Inglaterra, Alemania e Italia. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Nicolás París Vélez (Bogotá, 1977) es pedagogo y artista visual. En 2007 obtuvo la beca MUSAC de creación artística, otorgada por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León.  En 2006, ganó el premio adquisición de la Colección Banco BBVA Colombia, en el Salón de Arte BBVA. Su proyecto Asociación Macarena fue seleccionado en la convocatoria Fondo para la Acción Ambiental y la Niñez, de 2005 a 2007, Macarena, Bogotá. Autor del libro de artista Doble Faz, Ediciones La Silueta (2008). Recientemente ha desarrollado proyectos educativos para apoyar el trabajo de los departamentos de educación en museos, como Sala Didácticas, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín (2009);  laboratorios y talleres en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León (2007); además desarrollo de currículos académicos en el marco de la exposición Urgente! 41º Salón Nacional de Artistas, Cali (2008); el Laboratorio de Dibujo Estrategias de Resistencia (2008) y taller de dibujo Especulación/Planeación (2008), entre otros.

Liliana Porter (Buenos Aires, 1941 / vive en Nueva York desde 1964) Su obra incluye grabados, obras sobre tela, fotografía, vídeo, instalaciones y proyectos de arte público. En 1965 co-fundó el New York Graphic Workshop junto con los artistas Luis Camnitzer y José Guillermo Castillo. A lo largo de su carrera obtuvo una serie de reconocimientos, entre los que se encuentran  la Guggenheim, 1980; tres becas de la New York Foundation for the Arts (1985, 1996, 1999);  la beca regional de NEA  (1994); y siete premios para investigación (1994 a 2004). Desde 1991  a 2007 fue profesora de Arte en Queens College, City University of New York. (CUNY)

Las obras de la artista están incluidas en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas se encuentran: Tate Modern, Londres; Museum of Modern Art ,Nueva York, Whitney Museum NY; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Philadelphia Museum of Art, Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile; Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard; Museum of Fine Arts, Boston; Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia; Museo del Barrio, Nueva York;  Metropolitan Museum of Art, Nueva York;  Museo Tamayo, México D.F.;  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid;  y la Daros Collection, Zurich. Actualmente trabaja en una publicación (diálogos con Inés Katzenstein), que formará parte de una serie de diez libros monográficos producida por la Fundación Cisneros.

Regina Silveira (Porto Alegre, 1939) es una artista intermedia, grabadora, pintora y profesora. Es considerada una de las artistas brasileñas más importantes de su generación. Su trabajo se ha enfocado en torno a los aspectos de la percepción, en la relación paradójica entre el objeto y su representación, el punto de vista del observador, la luz y la sombra. Desde los años setenta viene realizando instalaciones de gran escala en espacios cerrados y fachadas de edificios, así como en espacios públicos. Su actividad docente incluye varias universidades brasileñas. Ha recibido también becas de las más prestigiosas instituciones (John Simon Guggenheim (1990), Fundación Pollock-Krasner (1993), y la Fundación Fulbright (1994). Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, el Jack S. Blanton Museum of Art, The University of Texas at Austin, el Miami Art Museum, el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo y la Bienal de Sao Paulo, entre muchos otros.

Chunbo Zhang (1971, Shenyang-China) se graduó en PuYang Calligraphy & Painting Institute en China, y realizó sus estudios de Maestría en Bellas Artes y Grabado en Georgia State University, así como una Residencia artística en Atlanta Contemporary Art Center en los Estados Unidos. Su obra ha sido expuesta en el Beijing Contemporary Art Museum (1996) y en otras grandes exposiciones chinas, así como en los Estados Unidos. Sus composiciones son armoniosas, la imagen es de estilo limpio, claro y elegante,  con un estilo tanto del realismo como del impresionismo. En el proceso de la creación artística le otorga gran vitalidad a objetos utilitarios, transmitiendo el entusiasmo de su arte.

 

Participa:
Valorar
Cargando...
COMENTARIOS
0 comentarios
2013 Grupo Generaccion . Todos los derechos reservados    |  
Desarrollo Web: filesluis_63@hotmail.com    |